Moritz Maas est étudiant en arts plastiques à l'Université des Arts Folkwang d'Essen. Ses portraits intuitifs et sincères séduisent par leur force expressive. Je suis ravi de te donner un meilleur aperçu de sa façon de travailler et de ses œuvres.

Salut Moritz, c'est sympa que tu aies trouvé le temps. Où es-tu en ce moment ? Tu es chez toi ou à l’atelier ?

Je suis chez moi et, en fait, mon atelier se trouve justement chez moi en ce moment. 

 Tu veux bien nous présenter rapidement ce que tu étudies ?

J’étudie les arts et le design de communication à la Folkwang d’Essen.

Mais tu fais aussi de superbes peintures…

…exactement, l’université propose beaucoup d’approches plutôt artistiques, donc on travaille aussi beaucoup sur le dessin et la composition. Mais en fait, je me suis mise à la peinture toute seule. À l’origine, je viens plutôt du monde des médias et j’ai beaucoup travaillé dans le cinéma et la télévision ; j’ai commencé à peindre assez tard, puis ça a un peu pris de l’ampleur ces dernières années…

 Ça a pris de l’ampleur

,

dans le bon sens du terme !

Oui, tout à fait, ça me procure un immense plaisir et je suis devenu complètement accro à la peinture. C’est aussi mon avantage : pour moi, ce n’est pas tant du travail, mais plutôt une véritable envie. 

Et tu as sûrement pu intégrer pas mal de choses issues du domaine des médias dans ta peinture, non ?

 Exactement, notamment des aspects comme la composition des images et les différentes qualités de lumière, qui peuvent aussi être un atout pour la peinture.

 Avec quels matériaux travailles-tu ?

 Je peins principalement à l’huile. Avant, je peignais aussi à l’acrylique, mais j’adore l’huile parce qu’on a beaucoup de temps sur la palette : ça ne sèche pas tout de suite, ce qui permet de prendre tout son temps. On ne se précipite pas – et bien sûr, ça donne aussi un résultat de grande qualité. Je travaille souvent en peignant plusieurs toiles en parallèle : je prépare 10 toiles, je commence une œuvre, et quand je sens que j’ai besoin de prendre un peu de recul, je passe à la suivante. À la fin, il y a à nouveau une phase où je fais encore quelques petites retouches sur toutes les toiles, et c’est comme ça que les œuvres sont souvent toutes terminées en même temps. 

Tu as donc besoin, en quelque sorte, de cette diversité et de ne pas rester trop longtemps concentré sur une seule chose ? 

Je ne sais pas toujours exactement d’où ça vient, mais ce qui est important, c’est d’avoir un regard neuf, surtout quand on peint de manière naturaliste et avec des modèles qu’on connaît personnellement : parfois, on ne voit plus vraiment où on fait peut-être des erreurs. Mais quand on y jette un œil à nouveau quelques jours plus tard, on se rend souvent compte : « Ah d’accord, ce n’est que quelques millimètres au niveau du cou, de petits détails qui changent tout de suite l’impression que donne le personnage. » Et puis, je ne planifie plus mes tableaux de manière aussi rigide, parce que je trouve ça plus intéressant de les laisser se développer au fur et à mesure, et je crois qu’il y a tout simplement des phases où on a envie de prendre un gros pinceau et de travailler de manière très impulsive. Et puis il y a des phases où j’ai envie de détails, et quand j’ai un tableau qui n’a plus besoin de grands traits, mais que je suis justement dans cette phase-là, je préfère m’attaquer à un nouveau tableau plutôt que de gâcher l’autre… Je n’arrive pas vraiment à le décrire, parce que c’est un processus totalement intuitif. Pour moi, ça a vraiment du sens, c’est d’ailleurs l’une des grandes questions de la peinture : quand un tableau est-il terminé ? Comment je le sais ? 

Tu as trouvé une excellente solution pour toi : prendre parfois un peu de recul et faire une petite pause. Tu peins surtout de manière figurative : les personnes sur tes tableaux sont-elles de vrais modèles ou peins-tu d’après des photos ou tes souvenirs ? 

Ça varie. Maintenant, j’ai souvent quelqu’un qui m’inspire, puis j’ai une vision de la façon dont j’aimerais représenter cette personne. Souvent, je commence par peindre le modèle en direct, puis je prends une photo et je continue à travailler seule, avant de retravailler éventuellement avec le modèle à la fin. Mes tableaux, c’est souvent une succession de construction et de destruction, donc tout ça s’enchaîne assez bien. Mais bien sûr, il y a aussi eu des situations où j’ai d’abord travaillé à partir d’une belle photo – ça peut souvent être plus pratique de travailler directement à partir d’une photo. Je n’ai donc pas vraiment de réticence à utiliser des photos, mais je trouve ça plus passionnant de connaître les gens en personne. Ne serait-ce que pour éviter le risque de tomber un jour sur Internet sur une peinture dont l’artiste aurait utilisé la même référence que toi. C’est un peu le danger quand on se sert uniquement de Pinterest, par exemple. 

Dans tes œuvres présentées au marché d'art étudiant, tu utilises souvent des arrière-plans très particuliers qui permettent de reconnaître tes œuvres à chaque fois. Souvent aussi grâce aux couleurs. Quel rôle ces arrière-plans jouent-ils pour toi ?

Parfois, ils ressortent même un peu au premier plan. Tu fais sans doute référence à la série « Coloured Beings » : là, j’ai effectivement travaillé au couteau à peinture, et souvent, j’ai d’abord créé un arrière-plan, puis j’ai superposé le motif par-dessus, avant de repasser le couteau par-dessus. C’est ce que je voulais dire par « construire puis détruire ». Je trouve que quand les images deviennent trop distinctes entre l’arrière-plan et le premier plan, ça nuit à la qualité de la peinture. Je trouve ça passionnant quand cette illusion se brise et que l’arrière-plan dépasse légèrement le personnage. 

Comment choisis-tu les couleurs de tes œuvres ?

 C’est plutôt intuitif. Bien sûr, il y a des moments où je me demande quelles couleurs j’aimerais utiliser, mais il m’arrive aussi souvent de remarquer, au cours du processus, quelles couleurs manquent encore. Beaucoup de contrastes complémentaires et beaucoup de contrastes chaud/froid.

Sur ton compte Instagram, j’ai aussi vu que tu faisais beaucoup de croquis et de dessins. Quelle place occupent les dessins pour toi ? Est-ce qu’ils vont de pair avec les toiles, ou s’agit-il juste d’études que tu fais à côté ?

 En fait, je participe chaque semaine à un groupe de peinture de nu à l’atelier et, ces derniers temps, le dessin a pour moi plutôt une dimension académique : c’est simplement pour apprendre, car c’est aussi un moyen très rapide d’assimiler l’anatomie. Avant, par contre, je dessinais beaucoup, y compris pour les œuvres finales. Mais que ce soit le dessin ou la peinture, je pense qu’il est important de ne pas cacher son art, mais de s’entraîner beaucoup. Parfois, ça fait mal, et il faut accepter les critiques – ou plutôt, on n’est pas obligé de tout accepter, mais plutôt de les supporter et de continuer à se montrer tel qu’on est, avec ce qu’on fait. 

 Tous ceux qui achètent mes œuvres sont super sympas, et je pensais que l'envoi serait bien plus compliqué que ça. Je trouve ça génial de pouvoir entrer en contact avec des gens que je n'aurais jamais connus autrement – et d'envoyer comme ça un tableau en Suisse. Presque tous les clients envoient ensuite une photo pour montrer comment l'œuvre est accrochée ou à qui elle est destinée. Ça me fait toujours plaisir de voir que l'œuvre a trouvé une belle place. On est ravis que Moritz fasse partie de la communauté SKM et on a hâte de découvrir plein de nouvelles œuvres.