Tu es l'artiste du mois du marché de l'art étudiant. Félicitations !



Où étudies-tu et quoi ?

 Je suis une formation pour devenir prof d'anglais et d'arts plastiques au lycée, et en parallèle, je prépare une licence d'anglais à l'université de Leipzig.




Tu voudrais peut-être nous donner un petit aperçu de ce sur quoi tu travailles en ce moment ?



Ces derniers mois, mon travail artistique s’est beaucoup penché sur le domaine de l’orientalisme. Je me suis surtout intéressé à l’effet iconoclaste du livre d’Edward Said, *Orientalism*, publié en 1978. Le terme « orientalisme » est un concept critique qui décrit la représentation méprisante de l’Orient, telle qu’elle est couramment véhiculée en Occident. Les sociétés et les peuples de l’Orient sont ceux qui vivent en Asie, en Afrique du Nord et au Proche-Orient. Said soutient que l’orientalisme, au sens de la science occidentale sur le monde oriental, est indissociable des sociétés impérialistes qui l’ont engendré, ce qui rend une grande partie des travaux orientalistes intrinsèquement politiques et au service du pouvoir. Dans mes images, j’ai sélectionné des peintures à l’huile stéréotypées sur l’Orient et je les ai décomposées. J’ai ainsi essayé d’illustrer l’effet iconoclaste de Said. À partir de cette approche, bon nombre de mes œuvres actuelles explorent une déconstruction similaire du « regard féminin » et du « regard masculin », ainsi que des paradigmes stéréotypés liés au genre dans la littérature anglaise et allemande.

 

Quels sont les matériaux et les techniques que tu préfères utiliser ?

Je travaille à l'huile depuis mes débuts et je ne peux pas imaginer utiliser un autre support. J’applique la peinture avec tout ce qui me tombe sous la main : pinceaux, spatules, chiffons, règles, parfois même des vêtements qui ne me plaisent plus – tout ça se passe toujours de manière très spontanée et sans planification. 




Tu travailles dans un atelier ou, par exemple, « en plein air » ou d’après modèle ?

Je n’ai pas vraiment d’atelier. Quand j’ai commencé à peindre il y a environ huit ans, c’était depuis ma chambre d’ado. J’aimais tout simplement rentrer de l’école et pouvoir me mettre tout de suite à peindre. C’est devenu une habitude. Aujourd’hui, je peins dans ma chambre en colocation, qui ne contient pratiquement ni meubles ni déco, car je veux avoir le plus d’espace possible pour mon art. Il y a de la peinture partout : sur les meubles, le sol, toutes les poignées de porte, et même sur pratiquement tous les vêtements que je possède. Je travaille et je vis, pour ainsi dire, au milieu de mes peintures à l’huile. 


Je demande toujours aux artistes qui les inspire et d’où ils tirent leurs idées. Y a-t-il quelqu’un en particulier pour toi ?

Je suis depuis très longtemps l’artiste norvégien Henrik Uldalen, qui influence encore aujourd’hui ma préférence pour la décomposition des corps. Ces trois dernières années, je me suis penché sur à peu près tous les artistes de la culture pop et j’ai soit testé, soit carrément repris différents éléments de leur façon de travailler. On peut penser ici à l’approche linguistique de Stein dans son poème « Susie Asado », aux œuvres de Pollock réalisées au sol, aux innombrables couches de peinture superposées par Rothko, à la démarche intertextuelle de Basquiat avec ses signes sémiotiques, et à bien d’autres choses encore. 



Comment choisis-tu tes motifs ? As-tu toujours un objectif précis en tête ou est-ce plutôt une question de feeling ?

Mes motifs naissent généralement à l’université, pendant un cours magistral. Pour moi, c’est important de ne pas développer de motifs à partir d’un contexte artistique, mais de les considérer dans une autre discipline scientifique, puis de réfléchir à la manière dont je peux les représenter ou les incarner. Dès que j’ai une idée en tête, je commence à peindre. Je n’ai jamais d’image (ou de thème) aboutie en tête – ça m’ennuierait tout simplement.

Quels thèmes te passionnent depuis longtemps ?

Depuis que j’ai pris un pinceau et de la peinture à l’huile pour la première fois, je m’intéresse au corps humain. Au début, dans le cadre de l’étude de la nature et de la peinture de nus. Depuis que je fais mes études, de plus en plus dans le contexte des études littéraires et culturelles. Ça concerne surtout les aspects de la performance de genre ainsi que le dialogue entre les genres. Cette réflexion se fait de manière diachronique et synchronique à travers l’histoire contemporaine.

Qui sont les personnes que tu représentes ? Ou bien ces personnages naissent-ils plutôt dans ta tête ?

Je me situe ici dans la tradition d’un artiste postmoderne. Mes sujets sont exclusivement des références à d’autres artistes, car je suis un fervent défenseur de l’intertextualité. 





Quel rapport as-tu au corps nu, un motif qui revient sans cesse dans ton travail ?

Le corps nu renvoie toujours à des notions comme la pudeur, la morale, la culpabilité, le tabou et la passion. Je pense que mon art oscille lui aussi entre ces notions. En même temps, j’ai l’impression qu’on associe souvent la nudité à la vulnérabilité. Je pense que, notamment sur des thèmes comme la performance de genre et le dialogue entre les genres, ce sont toutes des émotions qui surgissent naturellement. 

Dans l’histoire de l’art, il y a une longue tradition de nus féminins réalisés par les maîtres anciens. 

J'ai exploré cette question dans le contexte de l'orientalisme à travers mon œuvre « Exploring the (fe)male gaze ». Le regard (fé)minin est un élément essentiel de l’orientalisme. Ce regard porté sur le corps féminin a réduit, au cours des siècles passés, les personnes perçues comme féminines à de simples objets de séduction. Dans mon œuvre, j’ai essayé de dissiper les connotations superficielles du regard (fé)minin pour me concentrer sur l’aspect plus abstrait de l’être humain. Quand le regard superficiel disparaît, il ne reste que la nature complexe de l’inconnu. 



Ton arrière-plan est souvent brut et les personnages semblent flotter dans les airs. D'où vient cette composition ?

Comme je traite souvent de thèmes abstraits, ça me semble tout naturel de placer mes sujets dans une sorte d'espace imaginaire. La couleur et son effet jouent aussi un rôle, mais j’essaie de faire mes choix de manière inconsciente et intuitive. J’aime que mon subconscient fasse partie de mes images – après tout, il fait aussi partie de notre façon de penser.