Moritz Maas è uno studente d’arte all’Università delle Arti Folkwang di Essen. I suoi ritratti intuitivi e sinceri conquistano per la loro espressività. Sono felice di offrirvi una panoramica più approfondita del suo modo di lavorare e delle sue opere.

Ciao Moritz, che bello che tu abbia trovato il tempo. Dove ti trovi in questo momento? Sei a casa o nel tuo studio?

Sono a casa e, in effetti, al momento il mio studio è proprio qui a casa mia. 

 Ti va di raccontarci brevemente cosa studi?

Studio arte e design della comunicazione alla Folkwang di Essen.

Ma realizzi anche dei dipinti davvero fantastici…

…esatto, l’università ha un approccio piuttosto artistico, quindi ci si concentra molto anche sul disegno e sulla composizione. Il mio percorso verso la pittura è stato però in realtà da autodidatta. In origine venivo più dal settore dei media e ho lavorato molto anche nel cinema e in televisione, poi ho iniziato a dipingere relativamente tardi e negli ultimi anni la cosa è un po’ degenerata…

 In senso positivo!

Sì, assolutamente, mi diverto tantissimo e sono diventato davvero dipendente dalla pittura. Questo è anche il mio vantaggio: per me non è tanto un lavoro, quanto semplicemente un impulso. 

E sicuramente hai potuto integrare nella pittura anche molti elementi provenienti dal mondo dei media, vero?

 Esatto, proprio aspetti come la composizione delle immagini e anche le diverse qualità della luce possono essere utili anche per la pittura.

 Con quali materiali lavori?

 Dipingo principalmente con i colori a olio; in passato ho usato anche gli acrilici, ma dei colori a olio mi piace tantissimo il fatto che ti diano tanto tempo sulla tavolozza, perché non si seccano subito e puoi prenderti tutto il tempo che vuoi per ogni dettaglio. Non ti senti così sotto pressione – e ovviamente la qualità è semplicemente ottima. Di solito lavoro in modo da dipingere su più fronti contemporaneamente: preparo 10 tele e inizio un quadro, poi quando mi rendo conto che ho bisogno di staccare un po’, ne inizio un altro. Alla fine c’è poi di nuovo una fase in cui apporto piccoli ritocchi a tutte, e così spesso le opere vengono finite tutte contemporaneamente. 

Quindi hai bisogno, per così dire, di varietà e di non concentrarti troppo a lungo su una sola cosa? 

A volte non so bene da dove venga questa esigenza, ma sicuramente è importante avere uno sguardo fresco, soprattutto quando si dipinge in modo naturalistico e con modelli che conosci personalmente: a volte non riesci più a vedere bene dove magari stai commettendo degli errori. Ma quando poi ci dai un’altra occhiata qualche giorno dopo, spesso ti rendi conto: «Ah, ok, sono solo un paio di millimetri sul collo, piccoli dettagli che però cambiano subito l’aspetto di una persona». E poi, adesso non pianifico i quadri in modo così rigido, perché in qualche modo trovo più interessante svilupparli durante il processo e credo che ci siano semplicemente delle fasi in cui hai voglia di prendere in mano un pennello grande e lavorare in modo molto impulsivo. E poi ci sono fasi in cui hai voglia di dettagli e, se ho un quadro che non ha più bisogno di grandi pennellate, ma mi trovo proprio in quella fase, allora preferisco iniziare un nuovo quadro prima di rovinare l’altro… non riesco a descriverlo bene, perché è un processo completamente intuitivo. Per me ha davvero senso, è una delle grandi domande della pittura: quando un quadro è finito? Come faccio a saperlo? 

Hai trovato una soluzione eccellente per te, quella di fare un passo indietro ogni tanto e fermarti un attimo. Dipingi per lo più in modo figurativo: le persone nei tuoi quadri sono modelli reali o dipingi basandoti su foto o ricordi? 

Dipende. Ormai di solito ho una persona che mi ispira e poi ho un’idea di come vorrei raffigurarla; spesso capita che prima dipinga il modello dal vivo, poi scatto una foto e continuo a lavorare da sola, per poi magari tornare a lavorare con il modello alla fine. I miei quadri spesso sono anche un processo di costruzione e distruzione, quindi tutto si fonde piuttosto bene. Naturalmente ci sono state anche situazioni in cui ho prima elaborato una bella foto: spesso può essere semplicemente più pratico lavorare partendo da una foto. Quindi non ho particolari remore a usare le foto, ma trovo più emozionante conoscere le persone di persona. Già solo per evitare che, prima o poi, su Internet ti capiti di vedere un dipinto in cui l’artista ha usato lo stesso riferimento che hai usato tu. È un po’ il rischio che si corre quando, per esempio, ci si affida solo a Pinterest. 

Nelle tue opere al mercato d’arte studentesco hai spesso degli sfondi molto particolari, che permettono di riconoscere subito i tuoi lavori. Spesso anche grazie alla combinazione di colori. Che ruolo hanno per te questi sfondi?

A volte questi sfondi sembrano quasi venire in primo piano. Probabilmente ti riferisci alla serie “Coloured Beings”: lì ho lavorato proprio con la spatola e spesso ho creato prima lo sfondo, poi ci ho messo sopra il soggetto e infine ci sono passata di nuovo sopra con la spatola. È proprio quello che intendevo con “costruire e poi distruggere”. Trovo che quando le immagini diventano troppo nette tra primo piano e sfondo, la qualità del dipinto ne risenta. Trovo emozionante quando questa illusione si rompe e lo sfondo sovrasta leggermente la persona. 

Come scegli la combinazione di colori delle tue opere?

 È una scelta piuttosto intuitiva; ovviamente ci sono momenti in cui mi chiedo quali colori vorrei usare, ma spesso mi accorgo durante il processo di quali colori mancano ancora. Molti contrasti complementari e molti contrasti tra colori caldi e freddi.

Sul tuo account Instagram ho visto che fai anche molti schizzi e disegni: che ruolo hanno per te i disegni? Vanno di pari passo con i dipinti su tela o sono solo studi che fai per hobby?

 In effetti ogni settimana partecipo a un gruppo di disegno dal vivo in studio e ultimamente il disegno per me ha più che altro un approccio accademico: semplicemente per imparare, perché è anche un mezzo molto veloce per imparare l’anatomia. Prima però disegnavo tantissimo, anche per i lavori finali. Ma che si tratti di disegno o di pittura, penso che sia importante non nascondere la propria arte, bensì esercitarsi molto; a volte fa male, ma bisogna accettare le critiche – o meglio, non è necessario accettarle tutte, ma piuttosto sopportarle e continuare comunque a mostrarsi per quello che si fa. 

 Tutte le persone che comprano le mie opere sono davvero gentili e anche la questione della spedizione me la immaginavo molto più complicata. Trovo fantastico poter entrare in contatto con persone che altrimenti non avrei mai conosciuto – e poi spedire semplicemente un quadro in Svizzera. Quasi tutti i clienti alla fine mandano anche una foto di come l’hanno appeso o a chi è destinato. Mi fa sempre piacere vedere che il quadro ha trovato un bel posto. Siamo felici che Moritz faccia parte della community SKM e non vediamo l’ora di vedere tante nuove opere.