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Dove studi e cosa?

 Sto studiando inglese e arte per diventare insegnante di liceo e, parallelamente, sto frequentando un corso di laurea triennale in Lingua e Letteratura Inglese all’Università di Lipsia.




Ti va magari di darci un breve assaggio di quello a cui ti stai dedicando in questo momento?



Negli ultimi mesi la mia arte si è concentrata molto sul tema dell’orientalismo. Al centro dell’attenzione c’era l’effetto iconoclastico del libro “Orientalismo” di Edward Said, pubblicato nel 1978. Il termine “orientalismo” è un concetto critico che descrive la rappresentazione sprezzante dell’Oriente, cioè dell’Oriente, tipica dell’Occidente. Le società e i popoli dell’Oriente sono quelli che vivono in Asia, Nord Africa e Medio Oriente. Said sostiene che l’orientalismo, inteso come studio occidentale del mondo orientale, sia indissolubilmente legato alle società imperialiste che lo hanno generato, il che rende gran parte del lavoro orientalista intrinsecamente politico e al servizio del potere. Nelle mie immagini ho selezionato dipinti a olio stereotipati sull’Oriente e li ho decostruiti. In questo modo ho cercato di rappresentare l’effetto iconoclastico di Said. Partendo da questa interpretazione, molti dei miei quadri attuali si occupano di una simile decostruzione dello sguardo femminile e maschile (fe/male gaze) e dei paradigmi stereotipati di genere nella letteratura inglese e tedesca.

 

Con quali materiali e tecniche ti piace lavorare di più?

Lavoro con i colori a olio sin dall’inizio e non riesco a immaginare nessun altro mezzo espressivo. Applico i colori con ogni genere di oggetto: pennelli, spatole, panni, righelli, a volte anche vestiti che non mi piacciono più – tutto avviene sempre in modo molto spontaneo e senza un piano preciso. 




Lavori in studio o magari anche “en plein air” o con un modello?

Non ho un vero e proprio studio. Quando ho iniziato a dipingere circa otto anni fa, lo facevo dalla mia cameretta. Mi piaceva semplicemente tornare a casa da scuola e poter iniziare subito a dipingere. Questa situazione è diventata un’abitudine. Oggi dipingo nella mia stanza in un appartamento condiviso, che contiene pochissimi mobili o decorazioni, perché voglio avere più spazio possibile per la mia arte. C’è colore ovunque: sui mobili, sul pavimento, su tutte le maniglie e praticamente su tutti i vestiti che possiedo. Lavoro e vivo, per così dire, tra i miei colori a olio. 


Chiedo sempre agli artisti da chi traggono ispirazione e da dove prendono le idee. C’è qualcuno in particolare per te?

Ho seguito per molto tempo l’artista norvegese Henrik Uldalen, che ancora oggi influenza soprattutto la mia predilezione per la decomposizione dei corpi. Negli ultimi tre anni mi sono confrontata praticamente con tutti gli artisti della cultura pop e ho provato o addirittura fatto miei diversi elementi del loro modus operandi. Si pensi all’approccio linguistico di Stein nella sua poesia «Susie Asado», alle opere di Pollock realizzate sul pavimento, alla stratificazione di innumerevoli strati di colore di Rothko, al metodo intertestuale di Basquiat con segni semiotici e a molto altro ancora. 



Come scegli i soggetti delle tue immagini? Hai sempre in mente un obiettivo preciso o è più una questione di sensazioni?

I soggetti delle mie immagini nascono per lo più all’università durante una lezione. Per me è importante non sviluppare i soggetti partendo da un contesto artistico, ma considerarli nell’ambito di un’altra disciplina scientifica e poi riflettere su come posso rappresentarli o incarnarli. Non appena ho un’idea di massima, inizio a dipingere. Non ho mai in mente un’immagine (o un soggetto) già finita – mi annoierebbe semplicemente.

Quali temi ti interessano da più tempo?

Da quando ho preso in mano per la prima volta pennelli e colori a olio, mi occupo del corpo umano. All’inizio nell’ambito degli studi naturalistici e della pittura di nudo. Da quando studio all’università, sempre più nel contesto degli studi letterari e culturali. Questo riguarda soprattutto gli aspetti della performance di genere e del dialogo tra i generi. Questa riflessione avviene sia in modo diacronico che sincrono attraverso la storia contemporanea.

Chi sono le persone che ritrai? O nascono piuttosto nella tua mente?

Mi colloco nella tradizione di un artista postmoderno. I miei soggetti sono esclusivamente riferimenti ad altri artisti, poiché sono un forte sostenitore dell’intertestualità. 





Che rapporto hai con il corpo nudo, un motivo ricorrente nel tuo lavoro?

Quando si parla di corpo nudo, si tratta sempre di concetti come vergogna, morale, colpa, tabù e passione. Penso che anche la mia arte oscilli tra questi concetti. Allo stesso tempo, mi sembra che spesso associamo la nudità alla vulnerabilità. Penso che proprio quando si tratta di temi come la performance di genere e il dialogo tra i generi, queste siano tutte emozioni che sorgono naturalmente. 

Nella storia dell’arte c’è una lunga tradizione di nudi femminili realizzati dai grandi maestri del passato. 

Ho approfondito questa questione nel contesto dell’orientalismo nella mia opera d’arte “Exploring the (fe)male gaze”. Una componente fondamentale dell’orientalismo è lo sguardo (fe)maschile. Questo sguardo sul corpo femminile ha ridotto le persone identificate come donne nei secoli passati a semplici oggetti di seduzione. Nella mia opera ho cercato di dissolvere le connotazioni superficiali dello sguardo (fe)maschile per concentrarmi sull’aspetto più astratto dell’essere umano. Quando lo sguardo superficiale scompare, rimane la natura complessa dell’ignoto. 



Il tuo sfondo è quasi sempre non ritoccato e i personaggi sembrano fluttuare nell’aria. Da dove viene questa composizione?

Dato che mi occupo spesso di temi astratti, mi sembra giusto collocare i miei soggetti in una sorta di spazio immaginario. Anche il colore e il suo effetto giocano un ruolo importante, ma cerco di applicare le mie scelte in modo inconscio e intuitivo. Mi piace che il mio subconscio faccia parte delle mie immagini – dopotutto, fa parte anche del nostro modo di pensare.