Selbstporträt
| Hauteur | 56.6 cm |
|---|---|
| Largeur | 40 cm |
| Longueur/Profondeur | 4 cm |
Autoportrait
Dans son œuvre « Autoportrait », Konstantin Lischkoff-Knecht pousse son exploration de la présence et de la dissolution jusqu’à un moment à la fois personnel et universel. L’artiste utilise à nouveau la technique du transfert photographique sur bois, combinée au mouvement fluide de la peinture qui coule en bandes verticales sur l’image. La surface devient ainsi le lieu d’une transition permanente – entre le visible et le caché, entre la figure et le flux de couleur, entre le corps et l’abstraction.
De la profondeur des couches jaune-gris émerge la silhouette d’une ombre : l’artiste lui-même. Mais l’image qui apparaît ici reste instable – recouverte de peinture, déformée par la gravité, saisie à la fois par la transparence et la densité. Le « moi » devient tangible à travers sa trace matérielle, pour s’estomper à nouveau l’instant d’après.
La couleur, fluide et indomptée, endosse le rôle d’une trace du temps. Elle enregistre le passage de l’instant tout en l’effaçant. Le jaune – symbole de lumière, de conscience et d’énergie – occupe le centre de l’image et semble à la fois traverser et engloutir le corps. Les nuances de gris et de noir qui l’entourent forment une sorte de contrepoint : le poids de la matière qui ancrent la luminosité de la lumière tout en la relativisant.
L’autoportrait n’est pas ici une tentative de fixer l’identité, mais de la rendre visible au fil du processus. Le corps devient une membrane, la couleur une métaphore de la pénétration de l’intérieur et de l’extérieur. De cette dialectique naît une œuvre qui montre moins le « moi » que le devenir, le flux, l’échappement du soi dans le courant de sa propre perception.
Lischkoff-Knecht transforme le genre classique de l’autoportrait en une réflexion sur la présence et la dissolution. Le geste pictural devient un acte existentiel, l’image un lieu de rencontre avec soi-même – fragile, ouvert, éphémère.
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Œuvres sur commandeKonstantin Lischkoff-Knecht
M. Knecht a étudié les beaux-arts à l'Académie des Beaux-Arts de Munich de 2012 à 2020, sous la direction de Günther Förg et Jorinde Voigt.
Knecht a aussi participé à la classe de projet d’Anne Imhof et a eu des échanges animés avec divers profs et étudiants de l’Académie.
Déclaration d’artiste
Mon parcours artistique est profondément ancré dans l’expressionnisme abstrait, un style qui se caractérise par des formes d’expression spontanées, émotionnelles et débridées. Les œuvres de pionniers comme Mark Rothko, Willem de Kooning, mais aussi d’artistes comme Cy Twombly et Georg Baselitz ont profondément influencé ma compréhension et mon appréciation de la puissance brute et immédiate de la couleur et de la forme.
Dans mes peintures, je cherche à explorer les limites du langage visuel et à transposer sur la toile les émotions et les pensées qui m’animent. L’expressionnisme abstrait m’offre la liberté de m’exprimer au-delà des formes et des concepts traditionnels. Ce courant artistique me permet d’expérimenter avec les couleurs, les textures et les compositions pour créer une résonance profonde et souvent intuitive.
Chaque toile est pour moi un champ de bataille où je règle mes comptes avec mes conflits intérieurs, mes sentiments et mes pensées. Le mouvement du pinceau, le coulage de la peinture et les gestes bruts reflètent l’intensité et la spontanéité qui sont au cœur de mon travail. Le facteur temps joue un rôle très intime dans la création : pour moi, l’écoulement de la peinture et l’émergence de l’image qui en découle sont l’expression des états de ma vie intérieure, tels qu’ils se négocient ici et maintenant. Ce processus t’est finalement caché – tu ne vois que le résultat final de mon travail. À travers cette forme d’expression artistique sans filtre, j’aspire à entraîner les spectateurs et spectatrices dans un univers émotionnel aussi subjectif et complexe que l’expérience humaine elle-même.
L’expressionnisme abstrait m’a apporté non seulement un cadre stylistique, mais aussi un fondement philosophique. Il me rappelle que l’art ne doit pas seulement être regardé, mais aussi vécu : il doit créer un lien direct et souvent personnel entre l’œuvre et le spectateur.
Expositions (sélection):
2015 Institut polonais Platan / Galerie Latarka (Budapest)
2015 Salon Kennedy (Francfort)
2015 Kunstverein Wiesbaden (Wiesbaden)
2016 Académie catholique de Munich (Munich)
2017 Lothringer 13 (Munich)
2017 Art Homes (Munich)
2018 Kunstarkaden (Munich)
2018 Haus 10 (Fürstenfeldbruck)
2023 Kunstarkaden (Munich)
2024 Kunstpavillon (Munich)
