A colloquio con: Noah Rennebaum

Noah Rennebaum dal 2018 studia pedagogia dell'arte all'Università di Lipsia. La sua pittura si è sviluppata parallelamente agli studi, grazie all’autoapprendimento, a corsi artistici aggiuntivi e allo scambio con altri artisti. 

Dal 2022 fa parte della SKM. Attualmente le sue opere sono esposte nella mostra “Oltre il visibile”, che resterà aperta fino all’8 novembre 2026 alla galleria SKM di Lipsia.

Scuola, università e il percorso verso l’arte

Ciao Noah, poco meno di un anno fa ti sei già seduto a chiacchierare con Erich e ci hai raccontato un sacco di cose sul tuo percorso. Ci hai detto che l’arte ti accompagna fin dai tempi della scuola e che a un certo punto hai deciso di intraprendere gli studi artistici. Oggi studi pedagogia dell’arte e allo stesso tempo ti dedichi intensamente alla tua pittura. Cosa significa per te, personalmente, creare arte? 

Per me l’arte è una realtà diversa, che posso plasmare secondo la mia immaginazione. La sensazione di creare è incredibilmente potente. Mi dà un senso di controllo e sicurezza, diverso da quello che a volte mi offre la realtà.

Qui a Lipsia, la pedagogia dell’arte fa parte dell’università e quindi ha una struttura diversa rispetto a molte accademie d’arte. In che modo questa struttura influisce sul tuo lavoro artistico e sul tuo sviluppo? Ne derivano per te dei vantaggi o degli svantaggi? 

Come studente di scienze della formazione mi sono dedicato alle discipline dell’arte, dello sport e delle scienze dell’educazione. Non si tratta tanto di praticare una materia quanto di insegnarla. Questo distingue nettamente il corso di laurea in scienze della formazione da un corso di laurea in arte. Oltre ai contenuti teorici come la pedagogia dell’arte, la storia dell’arte e lo sviluppo infantile, il percorso comprendeva moduli pratici su tecniche di stampa, disegno, pittura e media digitali. Ciò che mi è mancato di più, però, è stato il lavoro artistico di gruppo e avere un posto tutto mio dove lavorare all’istituto. A parte il laboratorio di stampa, non c’erano molte occasioni per lavorare lì, soprattutto durante il Covid. 

La mia arte è nata principalmente parallelamente agli studi; fin dall’inizio dipingevo a olio. Questo però non faceva mai parte del corso di studi e ho usato il mio tempo libero per studiare da sola. Dipingevo giorno e notte e quasi sempre da sola. Non c’era nemmeno un motivo o la possibilità di cambiare questa situazione. Quando poi mi sono trasferita nel mio studio, avevo più spazio per lavorare, ma continuavo comunque a farlo da sola. Avevo scambi con gli amici, che però sono quasi tutti di altre discipline. Ora lo vedrei come uno svantaggio, perché è così importante parlare della propria arte, soprattutto con altri artisti.

Metodo di lavoro e tecnica

Nell’ultima chiacchierata hai detto che spesso i tuoi quadri vengono meglio quanto meno ci pensi, e che così si crea una certa discrepanza tra la tua idea iniziale e quello che alla fine finisce sulla tela. Quanta intuizione e quanta scelta consapevole ci sono oggi nella tua pittura? Quanto sai già di un quadro prima di iniziare a dipingere? 

Prima di dipingere, di solito non ho un’idea completamente definita del quadro finito. C’è piuttosto un’intuizione o una direzione legata a una certa intenzione, che si concretizza solo durante il processo di pittura. Per me, riflettere il meno possibile su ogni singolo passo non significa lavorare in modo inconsapevole. Al contrario, perché proprio in questo stato le decisioni intuitive e quelle consapevoli si intrecciano. Spesso ho la sensazione che questo mi permetta di dipingere in modo più immediato e forse anche più sincero. 

Mentre lavoro, cerco continuamente di fare un passo indietro e di reagire a ciò che è già emerso sulla superficie del quadro. In questo modo si sviluppa una sorta di dialogo tra la mia idea iniziale, le decisioni prese durante la pittura e il quadro stesso. Questo processo non funziona sempre allo stesso modo e non si può pianificare completamente. Ma è proprio qui che per me sta una parte importante della pittura. Allo stesso tempo, vorrei imparare a gestire questo approccio in modo più consapevole e ad ampliare il mio vocabolario pittorico. Posso allenarmi in modo mirato usando diversi mezzi espressivi come matita o acquerello , sperimentando diversi formati e confrontandomi con soggetti sempre nuovi e con questioni artistiche fondamentali. Questi esercizi mi aiutano a prendere decisioni consapevoli con maggiore sicurezza, senza però perdere l’apertura mentale e l’intuizione nel processo creativo. Quali aspetti siano in primo piano dipende anche dall’opera in questione. Nei miei dipinti en plein air, ad esempio, spesso non mi interessa tanto la riproduzione esatta di un luogo quanto piuttosto cogliere la sua atmosfera, il suo movimento e l’effetto complessivo. Le condizioni esterne come il vento, il sole e la luce mutevole diventano parte integrante del quadro. La luce, in generale, gioca un ruolo importante nel mio lavoro. Anche molte delle fotografieche raccolgo come punto di partenza per i miei dipinti nascono in giornate soleggiate, perché mi interessano soprattutto i contrasti, i colori e gli effetti spaziali che ne derivano.

Se si osservano i tuoi lavori nel corso di un periodo più lungo, salta all’occhio quanto tu stia evolvendo dal punto di vista tecnico e materico. C’è qualcosa che caratterizza in modo particolare il tuo modo di lavorare attuale? Cosa ti interessa di più in questo momento nella tua pittura – dal punto di vista formale, materico o anche contenutistico? 

Dal punto di vista dei contenuti, continuo a dedicarmi ai paesaggi, ma allo stesso tempo mi interessa sempre di più la pittura figurativa. Per approfondire questo ambito in modo mirato, ho frequentato, tra le altre cose, corsi di pittura di nudi e mi sono occupata più intensamente di fisicità, mani, figure ed espressività. Anche lavorare con formati diversi ha cambiato il mio modo di vedere la pittura. Oltre a opere molto piccole, di circa cinque per cinque centimetri, ho lavorato anche su formati molto grandi, a volte più grandi del naturale. In questo modo mi è diventato chiaro quanto il formato influenzi il modo di dipingere e, in definitiva, anche il risultato. Le opere di piccole dimensioni richiedono una maggiore essenzialità e concentrazione, mentre le grandi superfici offrono più spazio per il movimento, il gesto e lo sviluppo pittorico. Questo cambia non solo la composizione dell’immagine, ma anche l’effetto stesso del dipinto. In futuro vorrei ampliare ulteriormente questo margine di manovra materiale e formale e, ad esempio, lavorare anche su altri supporti come il legno, oltre a sperimentare nuovi materiali, come la tela di canapa. Allo stesso tempo, vorrei approfondire ulteriormente le mie conoscenze di teoria dell’arte e le mie basi, per poter inquadrare le mie scelte in modo più consapevole. Al momento mi interessano particolarmente le correnti dell’Espressionismo Astratto, ma anche la pittura impressionista. Van Gogh mi affascina da molto tempo, soprattutto per l’immediatezza e la forza espressiva della sua pennellata.

Per questo cerco sempre di più di fare in modo che la qualità del mio lavoro non venga messa in secondo piano rispetto alla quantità, che la mia pratica artistica non si riduca a una mera routine e di dedicare abbastanza tempo a ciascuna delle mie opere. Per la mia creatività è importante concedermi anche degli spazi liberi in cui lavorare senza un obiettivo preciso e seguire semplicemente ciò che mi va di fare in quel momento. Soprattutto dopo periodi particolarmente intensi di lavoro, questo mi aiuta a prendere le distanze, a liberare la mente e ad affrontare i nuovi progetti con maggiore apertura. A questo si aggiungono gli aspetti organizzativi del lavoro autonomo, che richiedono anch’essi tempo ed energia. Le pratiche burocratiche, la pianificazione dei prossimi progetti o anche le riflessioni su uno studio più grande fanno parte della mia quotidianità al momento tanto quanto la pittura vera e propria.

C’è qualcosa che si può scoprire di te attraverso le tue opere, ma che magari non è così facile da spiegare a parole? 

Posso essere molto impaziente e indeciso, e spesso mi vengono in mente tante idee contemporaneamente. Non è raro che mi vengano in mente nuovi spunti mentre sto dipingendo, cambiando così la direzione iniziale di un quadro. Per questo, sotto alcune opere finite si nascondono diverse versioni precedenti. Le idee che all’inizio erano ancora acerbe o che non mi convincevano vengono scartate, ricoperte o sviluppate ulteriormente. Tuttavia non scompaiono del tutto, perché nella pittura a olio i diversi strati di colore si sovrappongono e, come tracce, rimangono parte della storia del quadro e alla fine influenzano anche la sua superficie e il suo effetto. Questo può essere molto emozionante, quindi ci sono anche fasi di frustrazione e dubbio in cui un’opera è sul punto di essere abbandonata, il che non significa che nel mio studio non ci siano anche alcuni di questi “cadaveri di quadri”. Allo stesso tempo trovo particolarmente interessante quando riesco a superare queste fasi difficili e gli stati precedenti rimangono ancora percepibili nell’opera finita. Soprattutto nei formati più grandi, queste emozioni spesso diventano visibili anche fisicamente, come nei movimenti rapidi, nei gesti decisi e nella pennellata diretta.

Un'ultima riflessione

Cosa ti sembra più pericoloso: un’opera che spiega troppo o una che non rivela proprio nulla? 

Per me sarebbe più problematico se un’opera non rivelasse proprio nulla. Un’immagine che rimane completamente chiusa e non offre alcun punto di riferimento può sembrarmi subito vuota o noiosa. Ho bisogno di qualcosa a cui aggrapparmi: un punto di accesso, un’atmosfera, un gesto o una traccia di qualcosa di riconoscibile. Allo stesso tempo, però, non voglio nemmeno spiegare completamente un’immagine. Mi interessa piuttosto l’equilibrio tra apertura e concretezza. Deve lasciare spazio sufficiente alle proprie associazioni e interpretazioni, senza però diventare arbitraria. Anche se un’opera rimane aperta, alla fine porta sempre con sé qualcosa della mia realtà. La proietto sull’immagine, consapevolmente o inconsapevolmente, e proprio in questo, per me, sta già una forma di messaggio. 

Quale idea, quale libro, quale serie TV o quale altro spunto ti ha colpito o entusiasmato di recente ed è qualcosa che consiglieresti volentieri? 

Ultimamente ho scoperto i thriller polizieschi di Chris Carter, te li consiglio vivamente: a volte li finisci di leggere in pochi giorni. Sono davvero troppo avvincenti!