Entretien avec : Noah Rennebaum

Noah Rennebaum étudie la pédagogie de l'art à l'université de Leipzig depuis 2018. Sa propre peinture , il l’a développée en parallèle de ses études, en autodidacte, grâce à des cours artistiques supplémentaires et à des échanges avec d’autres artistes. 

Il fait partie du SKM depuis 2022. En ce moment, ses œuvres sont présentées dans l’exposition «Au-delà du visible », qui se tient jusqu’au 8 novembre 2026 à la galerie SKM de Leipzig.

L'école, les études et ton parcours vers l'art

Salut Noah, Il y a un peu moins d’un an, tu t’es déjà entretenu avec Erich et tu as donné plein d’infos sur ton parcours. Tu avais alors raconté que l’art t’accompagnait depuis l’école et que tu t’étais finalement orienté vers des études d’art. Aujourd’hui, tu fais des études de pédagogie de l’art tout en travaillant intensément sur ta propre peinture. Qu’est-ce que ça signifie pour toi, personnellement, de créer de l’art ? 

Pour moi, l’art, c’est une autre réalité que je peux façonner selon mes envies. Ce sentiment de création est incroyablement puissant. Ça me procure un sentiment de contrôle et de sécurité, contrairement à ce que la réalité m’apporte parfois.

Ici, à Leipzig, la pédagogie artistique fait partie intégrante de l’université et est donc structurée différemment de ce qu’on trouve dans de nombreuses écoles d’art. Comment cette structure influence-t-elle ton travail artistique et ton évolution ? Y vois-tu des avantages ou des inconvénients particuliers ? 

En tant qu’étudiant en formation des enseignants, je me suis consacré aux domaines de l’art, du sport et des sciences de l’éducation. Il s’agit moins de pratiquer une discipline que de l’enseigner. C’est ce qui distingue nettement la formation des enseignants des études d’art. Outre des matières théoriques comme la pédagogie artistique, l’histoire de l’art et le développement de l’enfant, ça comprenait des modules pratiques sur les techniques d’impression, le dessin, la peinture et les médias numériques. Ce qui m’a particulièrement manqué, c’était le travail artistique en groupe et un espace de travail qui m’appartienne à l’institut. À part l’atelier d’impression, il n’y avait pas beaucoup d’occasions d’y travailler, surtout pendant la pandémie. 

Je créais mes œuvres principalement en dehors des cours ; dès le début, je peignais à l’huile. Cela ne faisait cependant jamais partie du programme et j’utilisais mon temps libre pour apprendre par moi-même. Je peignais jour et nuit, et presque toujours seule. Je n’avais d’ailleurs aucune raison ni aucune possibilité de changer ça. Quand j’ai emménagé dans mon atelier, j’avais plus d’espace pour travailler, mais je suis quand même restée seule. J’ai eu des échanges avec des amis, mais ils ne sont presque jamais du milieu artistique. Je considère ça comme un inconvénient, car c’est tellement important de parler de son art, surtout avec d’autres créateurs.

Méthode de travail et technique

Lors de notre dernière conversation, tu as expliqué que tes tableaux sont souvent d’autant meilleurs que tu y réfléchis moins, et qu’il en résulte un certain décalage entre ton idée de départ et ce qui finit par apparaître sur la toile. Aujourd’hui, dans ta peinture, quelle part revient à l’intuition et quelle part aux choix conscients ? Que sais-tu déjà d’un tableau avant de commencer à peindre ? 

Avant de peindre, je n’ai généralement pas d’idée entièrement aboutie du tableau fini. J’ai plutôt une intuition ou une direction, liée à une intention précise, qui ne se concrétise qu’au cours du processus de peinture. Pour moi, réfléchir le moins possible à chaque étape ne signifie pas pour autant travailler de manière inconsciente. Au contraire, car c’est justement dans cet état que les décisions intuitives et conscientes s’entremêlent. J’ai souvent l’impression de peindre ainsi de manière plus spontanée et peut-être aussi plus sincère. 

Pendant que je travaille, j’essaie sans cesse de prendre un peu de recul et de réagir à ce qui s’est déjà formé sur la toile. Ça crée une sorte de dialogue entre mon idée de départ, les choix que je fais en peignant et l’œuvre elle-même. Ce processus ne fonctionne pas toujours aussi bien et on ne peut pas non plus le planifier entièrement. Mais c’est justement là que réside pour moi une partie importante de la peinture. En même temps, j’aimerais apprendre à gérer cette approche de manière plus consciente et à élargir mon vocabulaire pictural. Je peux m’y entraîner de manière ciblée en utilisant différents supports comme le crayon ou l’aquarelle , en testant différents formats et en explorant des motifs variés ainsi que des questions artistiques fondamentales. Ces exercices m’aident à prendre des décisions plus réfléchies avec plus d’assurance, sans pour autant perdre l’ouverture d’esprit et l’intuition qui caractérisent mon processus de travail. Les aspects qui priment dépendent aussi de l’œuvre en question. Dans mes peintures en plein air, par exemple, je cherche souvent moins à reproduire fidèlement un lieu qu’à en capturer l’ambiance, le mouvement et l’impression générale. Les conditions extérieures comme le vent, le soleil et les variations de lumière font alors partie intégrante du tableau. La lumière joue d’ailleurs un rôle important dans mon travail. Beaucoup de mes photosque je collectionne comme point de départ pour mes peintures sont prises par temps ensoleillé, car ce sont surtout les contrastes, les couleurs et les effets spatiaux qui en résultent qui m’intéressent.

Quand on regarde ton travail sur une longue période, on remarque à quel point tu évolues, tant sur le plan technique que sur celui des matériaux. Y a-t-il quelque chose qui marque particulièrement ta façon de travailler en ce moment ? Qu’est-ce qui t’intéresse en ce moment dans ta peinture – sur le plan formel, matériel ou même thématique ? 

Au niveau du contenu, je continue à m’intéresser aux paysages, mais je m’intéresse aussi de plus en plus au travail figuratif. Pour approfondir ce domaine de manière ciblée, j’ai notamment suivi des cours de peinture de nus et je me suis penchée de plus près sur la corporéité, les mains, les figures et l’expression. Travailler sur différents formats a aussi changé mon regard sur la peinture. À côté de très petites œuvres d’environ cinq sur cinq centimètres, j’ai aussi travaillé sur de très grands formats, parfois plus grands que nature. J’ai alors clairement compris à quel point le format influence la manière de peindre et, au final, le résultat. Les petites œuvres exigent davantage de réduction et de concentration, tandis que les grandes surfaces offrent plus d’espace pour le mouvement, le geste et le développement pictural. Ça modifie non seulement la composition de l’image, mais aussi l’effet produit par la peinture elle-même. À l’avenir, j’aimerais continuer à élargir cette marge de manœuvre matérielle et formelle, par exemple en travaillant sur d’autres supports comme le bois, et en testant de nouveaux matériaux, comme la toile de chanvre. En parallèle, j’aimerais approfondir encore mes connaissances en théorie de l’art et mes bases pour pouvoir situer mes propres choix de manière plus consciente. En ce moment, je m’intéresse particulièrement aux courants de l’expressionnisme abstrait, mais aussi à la peinture impressionniste. Van Gogh me fascine depuis longtemps, surtout par le caractère immédiat et la force expressive de ses coups de pinceau.

C'est pourquoi j'essaie de plus en plus de veiller à ce que la qualité de mon travail ne passe pas au second plan derrière la quantité, à ce que ma pratique artistique ne devienne pas une simple routine, et à prendre suffisamment de temps pour chacune de mes œuvres. Pour ma créativité, c’est important de m’accorder aussi des moments de liberté où je travaille sans objectif précis et où je me laisse simplement guider par ce dont j’ai envie sur le moment. Surtout après des périodes particulièrement chargées, ça m’aide à prendre du recul, à me vider la tête et à aborder de nouvelles œuvres avec un regard plus ouvert. À cela s’ajoutent les aspects organisationnels du travail indépendant, qui demandent aussi du temps et de l’énergie. Les tâches administratives, la planification des projets à venir ou encore les réflexions sur un atelier plus grand font actuellement autant partie de mon quotidien que la peinture elle-même.

Y a-t-il quelque chose qu’on peut découvrir sur toi à travers tes œuvres, mais qui n’est peut-être pas si facile à exprimer dans une conversation ? 

Je peux être très impatiente et indécise, et j’ai souvent plein d’idées en même temps. Il n’est pas rare que de nouvelles idées surgissent pendant que je peins et qu’elles changent la direction initiale d’un tableau. C’est pourquoi certaines œuvres achevées recèlent plusieurs états antérieurs. Les idées qui n’étaient pas encore mûres au départ ou qui ne m’ont pas convaincu sont rejetées, recouvertes ou développées davantage. Pour autant, elles ne disparaissent pas complètement : en peinture à l’huile, les différentes couches de couleur se superposent et, sous forme de traces, elles restent partie intégrante de l’histoire du tableau et influencent finalement aussi sa surface et son effet. Ça peut être très émouvant ; il y a donc aussi des phases de frustration et de doute où une œuvre est sur le point d’être abandonnée, ce qui ne veut pas dire qu’il n’y a pas aussi quelques « cadavres de tableaux » comme ça dans mon atelier. En même temps, je trouve ça particulièrement intéressant quand on arrive à surmonter ces phases difficiles et que les états précédents restent perceptibles dans l’œuvre achevée. Surtout dans les grands formats, ces émotions se manifestent souvent physiquement, comme dans des mouvements rapides, des gestes marqués et un coup de pinceau direct.

Un dernier aperçu

Qu'est-ce qui est le plus dangereux pour toi : une œuvre qui en dit trop, ou une qui ne dévoile rien du tout ? 

Pour moi, ce serait plus problématique si une œuvre ne dévoilait absolument rien. Une image qui reste complètement hermétique et n’offre aucun indice peut vite me paraître vide ou ennuyeuse. J’ai besoin de quelque chose à quoi m’accrocher : un point d’entrée, une ambiance, un geste ou une trace de quelque chose de reconnaissable. Mais en même temps, je ne veux pas non plus expliquer complètement une image. Ce qui m’intéresse, c’est plutôt l’équilibre entre l’ouverture et le concret. Elle doit laisser suffisamment de place à tes propres associations et interprétations, sans pour autant devenir arbitraire. Même si une œuvre reste ouverte, elle porte finalement toujours en elle quelque chose de ma propre réalité. Je la projette sur l’image, consciemment ou inconsciemment, et c’est justement là que réside déjà, pour moi, une forme de message. 

Quelle idée, quel livre, quelle série ou quelle autre source d’inspiration t’a récemment captivé ou enthousiasmé, et que tu recommanderais volontiers ? 

Dernièrement, j’ai découvert les thrillers policiers de Chris Carter, que je ne peux que recommander : certains se dévorent en quelques jours. C’est vraiment trop captivant !