Il corpo femminile e lo sguardo nella storia dell’arte

Piacere visivo e cinema narrativo

Nel 1975 Mulvey pubblicò il suo saggio “Visual Pleasure and Narrative Cinema”. In esso analizza come il cinema hollywoodiano dell’epoca d’oro crei piacere visivo. Partendo dal concetto di Sigmund Freud di scopofilia, cioè il piacere di guardare gli altri, descrive il cinema come uno spazio in cui gli spettatori provano piacere attraverso lo sguardo. In questo contesto, a uomini e donne vengono assegnati ruoli diversi. Con l’aiuto delle teorie psicoanalitiche, descrive lo sguardo come elemento centrale della percezione cinematografica. Mentre i personaggi maschili compaiono per lo più come soggetti attivi, che guidano lo sguardo e fanno avanzare la trama, quelli femminili vengono soprattutto guardati e messi in scena come oggetti del desiderio visivo e sessuale. Il pubblico viene così indotto a identificarsi con la prospettiva maschile. In questo modo si crea un ordine visivo in cui l’uomo è posizionato come soggetto dello sguardo e la donna come suo oggetto. La sua famosa contrapposizione recita: «la donna come immagine, l’uomo come portatore dello sguardo».

La storia dell’arte del corpo femminile

Una tensione simile si può osservare anche nelle rappresentazioni storiche del nudo femminile. Del Paleolitico inferiore sono giunte fino a noi numerose statuette femminili nude, spesso interpretate come simboli di fertilità o di femminilità. Nell’antica Grecia, il corpo femminile appare soprattutto sotto forma di dee, ninfe e muse, come incarnazione della bellezza e del potere divino. A differenza del nudo maschile eroico, già molto diffuso, all’inizio rimaneva per lo più coperto. Con l’Afrodite di Cnido di Prassitele, nel IV secolo a.C. nacque una delle prime sculture monumentali raffiguranti una figura femminile completamente nuda e, al contempo, un’immagine di grande importanza per la storia dell’arte antica. La scultura fece scalpore e divenne il punto di partenza di una lunga tradizione di raffigurazioni nude di Afrodite e Venere. Nell’arte romana si affermò, tra l’altro, il tipo iconografico della Venere pudica. 

Nella tarda antichità di impronta cristiana e nel Medioevo, il corpo femminile fu sempre più oggetto di riserve religiose e morali. Nel monoteismo, la rappresentazione sacra del femminile si spostò sempre più verso il culto mariano, le cui icone seguivano rigide dottrine teologiche sull’immagine. La Vergine Maria incarna un ideale di purezza e castità, mentre la nudità femminile veniva associata al peccato, alla sessualità e alla vergogna, come nelle raffigurazioni di Eva e del peccato originale. 

Nel Rinascimento e nel Barocco, le concezioni antiche di bellezza e armonia tornano a caratterizzare la rappresentazione del corpo femminile. Le rappresentazioni audaci si trovano ora soprattutto nel contesto della mitologia e dell’erotismo e si rivolgono sempre più allo sguardo dello spettatore. Opere come La nascita di Venere di Botticelli o La Venere di Urbino di Tiziano mostrano il corpo nudo non tanto come un problema religioso, quanto piuttosto come un motivo estetico ed erotico. 

L’Origine du monde di Gustave Courbet, del 1866, segna una rottura radicale con questa idealizzazione. Invece di mostrare una figura mitologica o una dea, Courbet presenta un corpo anonimo e frammentato, che diventa esso stesso oggetto dello sguardo. Artisti come Matisse e Picasso si sono sempre più distanziati dalle concezioni tradizionali di bellezza, sperimentando con la forma e la prospettiva. Allo stesso tempo, nel Modernismo il nudo femminile è rimasto strettamente legato alle idee di desiderio e disponibilità.

Tra lo sguardo e l’autodeterminazione

La gaze come critica, mezzo di espressione, fonte di ispirazione e forma di resistenza

Oggi le artiste sono più visibili e numerose che mai nel mondo dell’arte, eppure permangono ostacoli strutturali e sociali. Le artiste sono state presenti in molte epoche, ma hanno dovuto lottare per avere accesso alla formazione e a un’attività autonoma e, nella storia dell’arte, sono state spesso classificate, se non del tutto ignorate, come artigiane, assistenti, modelle o muse. La storia del corpo femminile è quindi anche una storia di eterodeterminazione, che si protrae fino alla ricerca storico-artistica. 

E con questo torniamo al «Male Gaze»: non è presente in ogni immagine né è legato esclusivamente agli artisti maschi. Può essere usato consapevolmente, spezzato con ironia o respinto del tutto. Queste teorie non sono quindi rilevanti solo per l’analisi cinematografica o artistica, ma anche per noi come spettatori e amanti dell’arte. Affinano il tuo sguardo e ti aiutano a percepire in modo più consapevole quali rappresentazioni del corpo, del genere e del desiderio vengono trasmesse nelle immagini e come queste influenzano il tuo modo di vedere.