Chi decide cos’è l’arte?

Quando un oggetto diventa arte? Basta che un artista lo definisca tale? Deve esporlo un museo? Ci vuole un pubblico che lo percepisca come arte? O alla fine è il mercato a decidere? Uno sguardo alla storia dell’arte mostra che i confini di ciò che viene considerato arte sono stati ridefiniti più e più volte. Il fatto che qualcosa venga dato per scontato come opera d’arte non è costante , ma è soggetta ai cambiamenti del tempo. L’arte non è quindi solo il frutto della creatività individuale, ma anche il risultato di decisioni sociali su ciò che è visibile, esteticamente valido, degno di essere collezionato e ricordato.

Dall’Accademia al ready-made e l’arte moderna

Per molto tempo è stato relativamente chiaro cosa potesse essere considerato arte e chi potesse crearla. Nella storia dell’arte europea, la pittura, la scultura e l’architettura erano legate a determinate abilità artigianali e a strutture istituzionali. Gli artisti lavoravano su commissione della Chiesa, della corte o di famiglie benestanti e si muovevano all’interno di concezioni consolidate di bellezza, funzionalità e qualità. Anche la formazione seguiva regole fisse. Le accademie stabilivano quali tecniche dovevano essere padroneggiate e quali soggetti erano considerati particolarmente impegnativi. La cosiddetta gerarchia dei generi poneva, ad esempio, la pittura storica al di sopra del ritratto, paesaggio e naturale. Ciò che era considerato arte non veniva quindi deciso solo dall’artista, ma da un intero sistema fatto di committenti, istituzioni e aspettative sociali. 

Nel XIX secolo questo sistema iniziò a cambiare. Artisti come Gustave Courbet si ribellarono alle concezioni accademiche su quali soggetti fossero degni di essere considerati arte. Invece di scene mitologiche o storiche, Courbet dipingeva operai, contadini e situazioni di vita quotidiana. Con il suo Pavillon du Réalisme, nel 1855 si mise consapevolmente al di fuori del sistema espositivo ufficiale. La domanda su quale fosse un soggetto adeguato per l’arte divenne così essa stessa oggetto di dibattito artistico. 

Ma la svolta più radicale la compì senza dubbio Marcel Duchamp. Nel 1917, sotto lo pseudonimo di «R. Mutt», presentò un orinatoio di produzione industriale intitolato *Fountain* alla mostra della Society of Independent Artists di New York. L’oggetto non era stato realizzato da Duchamp né corrispondeva alle concezioni tradizionali di maestria artigianale. Ciò che contava, invece, era il concetto di ready-made: un oggetto già esistente diventava un’opera d’arte grazie alla sua collocazione artistica e al suo nuovo contesto. Allo stesso tempo, *Fountain* dimostra che questa scelta da sola non basta a determinare lo status di opera d’arte. L’oggetto, inizialmente rifiutato dalla commissione espositiva, è entrato a far parte della storia dell’arte solo grazie a un lungo processo di riconoscimento.

I protagonisti della visibilità

Così le istituzioni finiscono al centro dell’attenzione. Musei, gallerie, collezioni e accademie d’arte non sono spazi espositivi neutri. Con le loro scelte, determinano cosa riceve attenzione, cosa è rilevante e cosa merita di essere conservato. Chi è presente nelle collezioni importanti viene studiato, pubblicato e promosso. In questo modo si crea un circolo virtuoso attraverso il quale determinati artisti e opere si consolidano nella memoria culturale. 

Questa selezione risulta particolarmente evidente nel canone storico-artistico. Per secoli sono stati soprattutto gli artisti europei e di sesso maschile a plasmare l’immagine della storia dell’arte, mentre le artiste, l’arte extraeuropea e le posizioni emarginate hanno trovato spazio in misura nettamente minore nelle collezioni e nella ricerca. Artiste come Artemisia Gentileschi, Camille Claudel o Hilma af Klint sono state riscoperte solo molto tempo dopo la loro epoca o sono state riconosciute con maggiore consapevolezza per il loro valore artistico. Anche il Modernismo mostra come possano nascere queste attribuzioni. Jackson Pollock è oggi considerato uno dei principali esponenti dell’Espressionismo Astratto ed è diventato famoso soprattutto per la sua tecnica del “drip”, sviluppata a partire dal 1947. L’artista Janet Sobel, però, aveva già lavorato all’inizio degli anni ’40 con una tecnica «all-over» simile. Le sue opere hanno ricevuto molta meno attenzione, mentre quelle di Pollock sono diventate un punto di riferimento nella storia dell’arte. 

Oltre alle istituzioni, anche il mercato dell’arte influisce su quali posizioni ricevono attenzione. Le gallerie danno visibilità, i collezionisti, con i loro acquisti, contribuiscono a decidere quali opere rimangono in circolazione, e le case d’asta rendono pubblici i valori di mercato. Laddove il riconoscimento istituzionale e il successo economico si uniscono, certe posizioni guadagnano visibilità e, a lungo termine, anche peso. Il pubblico è un’altra figura che influenza il riconoscimento dell’arte, perché anche le sue reazioni, soprattutto di fronte a opere provocatorie o sconcertanti, contribuiscono a plasmarne la percezione.