Drei alte Könige in neuen Uniformen
| Height | 150 cm |
|---|---|
| Width | 120 cm |
| Length/Depth | 3 cm |
Material/Technik: Acryl auf Leinwand
Das Gemälde kommt handsigniert und gespannt auf selbstgebautem Keilrahmen mit Doppelkreuz.
Versand wird das Gemälde, transportsicher verpackt, in einer extra gefertigten Holzbox.
Entstehungsjahr: 2024
Ausstellung:
Gruppenausstellung, Bremer Kunstfestes, April 2024
Gruppenausstellung, YFA, Kunsthalle Bremen, 23.11.24 - 24.01.25
Soloausstellung, 'RANDFIGUREN', 15.05.25 - 15.09.25
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Hintergrund:
In Drei alte Könige in neuen Uniformen setze ich mich mit dem Spannungsfeld zwischen Repräsentation und Auflösung auseinander. Mich interessiert besonders der Moment, in dem Autorität sich ins Populäre Gewand kleidet. Die „drei alten Könige" marschieren nicht mehr mit Zeptern und Kronen, sondern mit poppigem Pathos, mit grellen Gesten und einer Ästhetik, die sich an die eigene Oberfläche klammert. Ihre Gesichter bleiben leer, schraffiert, anonym - ein Echo auf die Uniform selbst: Zeichen statt Subjekt.
Der Bildtitel enthält Verweise auf christliche Ikonografie ebenso wie auf Wolfgang Borcherts Kurzgeschichte Die drei dunklen Könige - eine Erzählung, in der die heroische Erzählung der Nachkriegszeit in existenzieller Leere mündet. So eröffnet sich eine Lesart zwischen Mythos und Trümmerlandschaft, zwischen heiliger Narration und gebrochener Gegenwart.
Die Komposition ist frontal, plakativ - fast wie ein Werbeplakat. Und genau diese Fragen werden im Gemälde verhandelt: Wann wird Macht zur Pose?
Wann wird Geschichte zur Parodie ihrer selbst?
Die Farben arbeiten gegen jede Tiefe. Sie verführen oberflächlich. Doch unter dieser Oberfläche bleibt ein Vakuum. Die Linienführung - hastig, wiederholend, bewusst überzeichnet - verweigert sich der Souveränität des klassischen Porträts. Die Könige sind keine Individuen. Sie sind Repräsentationen. Archetypen. Träger von Ideologie. Abbilder von etwas das mal war, immernoch sein will und doch schon lange nicht mehr ist. In diesem Gemälde zeigt sich der subversive Moment, in dem sich Herrschaft selbst zur Farce macht.
Kunsthistorisch weißt dieses Gemälde u.a. bewusst Parallelen zu den Heldenbildern von Georg Baselitz auf, insbesondere auf deren überzeichnete Körperlichkeit und das tragisch Gescheiterte in der Geste des Heroischen. Auch eine intensive Auseinandersetzung mit Daniel Richters Werk - insbesondere der Serien Furor und Furor Il - liegt dieser Arbeit zu Grunde. So finden durchaus Ansätze aus Richters ästhetischer Sprache, politische Chiffren in ein grell-flirrendes Vokabular aus Figur, Farbe und Auflösung zu transformieren, immer als Gratwanderung - irgendwo zwischen Karikatur und Katastrophe - in meiner Arbeit Verwendung: Das expressive Moment dient nicht der Erhöhung, sondern der Enttarnung.
Abschließend steht ein Werk, dass eine Untersuchung von Autorität darstellt, die sich nicht mehr auf Souveränität berufen kann. Die Figuren sind ni eindeutig lesbar - weder als klare Individuen noch als bloße Allegorien. Vielmehr befinden sie sich in einem Zustand zwischen Konstruktion und Zerfall, zwischen Ordnung und Auflösung. Exakt In dieser Schwebe entsteht ein Bildraum, in dem Geschichte und Gesellschaft nicht abgebildet, sondern dekonstruiert, fragmentiert und in neuer Form verhandelt wird.
Maximilian Völter
> Maximilian Völter
> Born in 1994 in Wismar, Germany
> Lives and works in Bremen.
> Student at the University of Bremen
> BA in Art, Media and Aesthetic Education
> Tutors include Wolfgang Hainke (participated in Documenta 8; has collaborated with Richard Hamilton, Emmet Williams and many others)
> Member of the Student Art Market since 2021
Selected Exhibitions:
2021 O.S.D (solo), Bremen, Germany (June 2021)
2021 Year Group Exhibition ‘Printmaking – Etching’ (group), University of Bremen, DE (09/21 – 12/21)
2022 O.S.D (solo), Bremen, Germany (June 2022)
2022 Year Group Exhibition ‘Printmaking – Screen Printing’ (group), University of Bremen, DE (04/22 – 07/22)
2022 CONTEXT Gallery (group), Venice, IT (July 2022 – September 2022)
2022 Reverse (group), The Hidden Art Project, Oldenburg, DE (09/22)
2022 YFA (group), Kunsthalle Bremen, Bremen, Germany (Oct 22 – Jan 23)
2023 ArtFest (group), Constructor University, Bremen, Germany (March 2023)
2023 Tabularasaa (group), TSH, Groningen, NL (April 2023 – June 2023)
2023 O.S.D (solo), Bremen, Germany (June 2023)
2023 'Painting' Graduating Class Exhibition (group exhibition), University of Bremen, DE (July 2023)
2023 CNTMPRY, Reset Gallery (group), Berlin, DE (08/23 – 10/23)
2023 YFA (group), Kunsthalle Bremen, Bremen, DE (10/23 – 01/24)
2024 L'art contemporain du futur (group), Nancy, FR (02/24 – 04/24)
2024 ArtFest Bremen (group), Constructor University, Bremen, DE (04/24)
2024 ‘Money’ (group), HUB Galerie, Bremen, DE (May 2024 – June 2024)
2024 O.S.D (solo), Bremen, Germany (June 2024)
2024 SG24 (solo), STUDIO GERDA, Bremen (09/24 – 11/24)
2024 YFA (group), Kunsthalle Bremen, Bremen, DE (Nov 24 – Feb 2025)
2025 ArtFest Bremen (group), Constructor University Bremen, Germany (April 2025)
2025 ‘RANDFIGUREN’ (solo), Rathausgalerie Neukloster, Neukloster, DE (May 2025 – August 2025)
2025 ‘DIE SCHÖNEN TAGE’ (group), STUDIO GERDA, Bremen (09/25 – 10/25)
Artist Statement:
For me, painting is not a place of retreat, not a ‘safe space’ – it is the arena for a confrontation with a world that is overwhelming, fragmented and confusing. A space of imposition, in which complexity is not explained but felt. In a present characterised by acceleration, a flood of images and political fragmentation, I see painting as an act of resistance: against the smooth, the legible, the exploitable. I do not view the image as an answer, but as resistance: against unambiguity, against decorative complacency, against the constant smoothing over of the present. My images arise from friction. They superimpose fragments from political visual traditions, pop culture, subcultures, art history and contemporary media images. These visual worlds collide – sometimes violently, sometimes reluctantly – without resulting in any stable order. For me, appropriation is not a detached commentary, but a form of responsibility: what I show is not meant to reassure, but to challenge.
The figure plays an ambivalent role in my work – it is both a disruptive element and a vehicle. Never quite present, never fully legible. It bears traces, but reveals no classical narratives. In its fragility, it becomes a mirror of both societal and individual tensions – an ‘in-between being’ that resists identification and attribution. I do not believe in purity, nor in the autonomous image, nor in a detached position. I believe in friction. In the coexistence of beauty and abysmal depth. In the possibility of creating spaces within painting that elude immediate appropriation. Spaces in which social tensions are reflected without needing to be resolved. I am interested in the image at the point where it tips over – both compositionally and in terms of content. Where it becomes overwhelming – not as a flaw, but as a quality. I am constantly searching for that zone where an image becomes too much – where it begins to rebel against its own order. Not out of a desire for destruction, but to create space for ambivalence, ambiguity and resistance.
For me, painting is concentration: physical, mental, political. It demands decision-making, but also the ability to endure uncertainty. It is rarely a statement, but more often a conversation with a wayward counterpart. A space in which one’s stance is revealed not through bold messages, but through perseverance: in the gesture, in the doubt, in carrying on – despite everything. What drives me is the question of how a painting is still possible today – in the face of visual overload, political tensions and exhaustion. And how it can unleash a power that does not appease but confronts, does not resolve but endures, does not conclude but leaves things open – a power that extends far beyond decoration or market value.
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